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Oct 08, 2023

Ashley Bickerton, deren Kunst Humor und Staunen hervorrief, stirbt im Alter von 63 Jahren

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Nachdem er früh Berühmtheit erlangt hatte, verließ er die insulare Kunstwelt New Yorks und floh nach Bali, wo er Werke schuf, die üppig, provokativ und oft scharf satirisch waren.

Von Will Heinrich

Ashley Bickerton, ein Künstler, der fast genauso dafür bekannt ist, New York verlassen zu haben wie für sein farbenfrohes Oeuvre aus Mixed-Media-Provokationen und Unfug, starb am 30. November in seinem Haus in Bali, Indonesien. Er war 63.

Seine Galerie, Gagosian, sagte, die Ursache sei amyotrophe Lateralsklerose, auch bekannt als Lou-Gehrig-Krankheit, von der er erst vor einem Jahr erfahren habe, dass sie daran erkrankt sei.

Herr Bickerton erlangte schon früh Bekanntheit, als er 1986 zusammen mit Peter Halley, Meyer Vaisman und Jeff Koons in einer einflussreichen Gruppenausstellung in der Sonnabend Gallery in New York auftrat. Die Ausstellung galt als Meilenstein des „Neo-Geometrischen Konzeptualismus“ oder Neo-Geo, ein halb scherzhafter Begriff für eine Gruppe, die durch ihre Hassliebe zum Konsumismus, dem Kunstmarkt, Maschinen und den Techniken ihres konzeptuellen Neo definiert ist -Expressionistische und minimalistische Vorgänger.

Herr Bickerton erinnerte sich 2003 in einem Interview: „Wir waren cool – oder kalt – und wir waren gegen ‚sie‘.“

Die Kritikerin Roberta Smith beschrieb in der New York Times die Stücke von Herrn Bickerton in dieser Show als „die pompösesten, fesselndsten und am wenigsten didaktischen, die es zu sehen gibt“.

Dazu gehörten ein Holzbrett mit goldenen Emaille-Silhouetten von Toiletten und Waschbecken, die er als „abstrakt“ („Abstrakte Malerei für Menschen Nr. 3“) bezeichnete, und eine gepäckähnliche Schachtel, die mit einer wilden Mischung aus Logos bemalt war – von Marlboro-Zigaretten bis hin zu dem New Yorker öffentlich-rechtlichen Fernsehsender Channel 13 – den er mit dem Namen eines Alter Ego unterzeichnete: „Tormented Self-Portrait (Susie at Arles)“.

Doch 1993 verließ Herr Bickerton die Szene, die ihn gefeiert hatte, und landete kurz in Brasilien, bevor er nach Indonesien reiste und sich auf Bali niederließ. Ob aufgrund seiner starken Verbindung zu einem bestimmten Moment der späten 1980er Jahre oder aufgrund der Abgeschottetheit der New Yorker Kunstwelt, diese Entscheidung wurde ihm für den Rest seines Lebens immer wieder gestellt. Im Laufe der Jahre gab er verschiedene Erklärungen.

Als begeisterter Surfer, der seine Jugend auf Hawaii und den Großteil seiner umherziehenden Kindheit in den Tropen verbracht hatte, verwies Herr Bickerton darauf, dass er mit dem Wetter auf Bali zufrieden sei und sich für die Wellen interessiere. Er erwähnte einen entmutigenden Rückgang auf dem Kunstmarkt und in seinem eigenen Ruf nach dem Golfkrieg von 1991 und eine Anhäufung gesellschaftlicher Verpflichtungen, wie der Besuch der „Eröffnungsfeier des Freundes Ihres ehemaligen Assistenten“, die es ihm schwer gemacht hätten, seine Abende zu verbringen Malerei.

Hinzu kamen die Lasten des frühen Ruhms und das unauslöschliche Neo-Geo-Label selbst, das ihm nie besonders gefallen hatte. (Er bevorzugte „Commodity Art“.) Aber letztes Jahr erwähnte er in einem charakteristisch offenen Interview mit dem Los Angeles Magazine den vielleicht hervorstechendsten Faktor:

„Scheidung“, sagte er. „Nichts bringt Menschen dazu, ihre Geographie so zu verändern wie die Liebe.“

Es kann auch die Geographie bestätigen. Auf Bali fand Herr Bickerton wieder die Liebe und bekam kürzlich eine Tochter. Er hinterlässt seine Frau Cherry Saraswati Bickerton; ihre Tochter Io; und zwei Söhne aus früheren Beziehungen, Django und Kamahele; sowie seine Mutter Yvonne Justin Bickerton und seine Geschwister James Bickerton und Julie Bravata.

Kritiker bemerkten einen stilistischen Wandel, nachdem sich Herr Bickerton in einem Studio auf der üppig bewaldeten Südseite der Insel niedergelassen hatte. Seine ohnehin schon leuchtenden Farben wurden tropischer und seine Ausführungen aufwändiger, als er sich der hyperrealistischen Malerei zuwandte.

Zu den weiteren Arbeiten aus seiner fast drei Jahrzehnte dauernden Zeit auf Bali gehörten stark bearbeitete und übermalte Fotografien grotesker Büsten, die er auch modelliert hatte; beunruhigende Darstellungen von sich selbst als fettleibiger blauer Tourist mit einem Gefolge nackter Frauen; und Stücke, die am Strand gesammelten Plastikmüll verwendeten und entweder in Harz schwimmend oder in die Oberflächen abstrakter Gemälde eingebettet präsentiert wurden.

Herr Bickerton stellte durchscheinende Harzskulpturen her, die rechteckigen Brocken Meerwasser ähnelten, und Floßflossen, die „Notvorräte“ wie ein Cowboy-Outfit, ein Elvis-Outfit oder einen Abguss der Fußabdrücke von ihm, seiner Frau und seiner Tochter enthielten. Als er aufgrund von ALS nicht mehr surfen konnte, arbeitete er an einem Bildschirmschoner im perfekten Wellen-Stil.

Seine lustigste – und konzeptionell aggressivste – Serie dürften seine „Wall-Walls“ gewesen sein, Abschnitte aus bunt gefärbten Verbundwänden, die an eigenen Wänden montiert werden konnten.

„Auf der Suche nach dem Kunstobjekt als einer irreduziblen Idee“, sagte er über diese Werke, „was könnte naheliegender sein als ein Stück farbiger Wand, das auf einer Wand sitzt, Raum einnimmt und Bedeutung verkündet? Aber das hat nur hervorgehoben.“ die Tatsache ihrer wesentlichen Bedeutungslosigkeit.“

Trotz der Vielfalt seiner Medien und Ansätze hatte die Arbeit von Herrn Bickerton mehrere klare Grundlinien. Es gab eine konsequente Optimierung der Erwartungen des Zuschauers, eine obsessive Kunstfertigkeit, gesäuert von einer offensichtlichen Respektlosigkeit gegenüber formalem Glanz, und eine Insider-Baseball-Qualität, die Art und Weise, wie er auf ein engagiertes und informiertes Publikum angewiesen war, um satirische Seitenhiebe gegen Donald Judds Logen, Willem de., zu erkennen Koonings Frauen oder Anselm Kiefers Grandiosität.

Am bedeutsamsten war jedoch der wogende Strom der Instabilität, der sich durch all das zog – das Gefühl, dass Herr Bickerton als Künstler und als Mann seine Position ständig überdenkte.

„Meine Arbeit“, sagte er dieses Jahr gegenüber The Brooklyn Rail, „war immer eine Suche nach Identität, ein Verständnis eines dynamischen Selbst im Kontext einer sich ständig verändernden größeren Welt, in der alle Bedeutungen fließend und relativ sind.“

Ashley Bickerton wurde am 26. Mai 1959 als Tochter englischer Eltern auf Barbados geboren. Seine Mutter war Verhaltenspsychologin. Sein Vater, Derek Bickerton, war ein einflussreicher Linguist, der sich auf Pidgins und Kreolen spezialisierte. Obwohl er einen Ph.D. hatte. Er schloss sein Studium an der Universität Cambridge ab und bezeichnete sich selbst als „Autodidakten mit Auszeichnung“.

Die Familie verdiente häufig Erfolge und landete in Afrika, der Karibik und Guyana, bevor sie sich auf Hawaii niederließ, wo sein Vater einen Ruf an die Universität von Hawaii erhielt, als Ashley 12 Jahre alt war. Herr Bickerton erinnerte sich später, dass er „mit fünf Dialekten aufwuchs“. Englisch, von dem nichts für den anderen verständlich war“ und war häufig das einzige weiße Kind in seiner Klasse. (Als Erwachsener war sein Akzent mehr oder weniger englisch.)

Nach seinem Studium bei John Baldessari und Barbara Kruger am California Institute of the Arts, das er 1982 abschloss, zog Herr Bickerton nach New York, wo er am Independent Study-Programm des Whitney Museum teilnahm, einen Job als Assistent des Künstlers Jack Goldstein bekam und zog schnell ins Herz der Kunstszene – bis er ging.

Er hatte kürzlich ein New Yorker Wiederaufleben erlebt. Nach gut rezensierten Ausstellungen in diesem Jahr in der Galerie Lehmann Maupin, die ihn seit 2006 zeigte, und im von Künstlern geführten Raum O'Flaherty's im East Village wurde Herr Bickerton von der Mega-Galerie Gagosian abgeholt und begann mit der Planung eines Debüts Einzelausstellung für 2023.

Zu diesem Zeitpunkt wurde jedoch festgestellt, dass es sich bei den anfänglichen Schwierigkeiten beim Kniebeugen oder beim aufrechten Springen auf ein Surfbrett um eine schnell fortschreitende neurodegenerative Erkrankung handelte – eine erschreckende Diagnose, mit der er sich jedoch schnell auseinandersetzen konnte.

„Ich schätze mich enorm glücklich“, sagte er der Times kurz vor seinem Tod. „Es ist ein unglaublicher Luxus, dass ich hier auf meiner großen Veranda auf dem Hügel mit Blick auf den Indischen Ozean sitzen, Zeit mit meiner Frau und meiner Tochter verbringen, an meinem Computer arbeiten, nachdenken, träumen und mein Leben in Ordnung bringen kann.“

Will Heinrich schreibt über neue Entwicklungen in der zeitgenössischen Kunst und war zuvor Kritiker für The New Yorker und The New York Observer. @willvheinrich

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